Keep Me In Your Heart: Die letzten Lieder von 30 legendären Künstlern

Enden sind schwierig. Ganz gleich, ob Sie einen langsamen Übergang zu Schwarz erwarten oder sich über einen abrupten Schnitt aufregen, die Endgültigkeit kann schwer zu akzeptieren sein. Im Rock'n'Roll ist das nicht anders. Jedes Lied in der Liste unten ist ein Abschluss, da wir uns an die letzten Lieder von 30 legendären Künstlern erinnern.

"Das ist es!" Janis Joplin lachte, und das tat es auch. „Ich bin nicht zu alt zum Sterben“, sang Bon Scott, und das war er auch nicht. Die Rockgeschichte ist übersät mit Musikern, die jung gestorben sind, und viele der letzten Aufnahmen auf dieser Liste gingen einem Tod voraus, von „Belly Button Window“ von Jimi Hendrix bis zu „I'm Gonna Crawl“ von Led Zeppelin. Die letzten Studioarbeiten einiger Künstler entstanden im Dienste eines Freundes (Tom Petty, Lou Reed), während es sich bei anderen um Kollaborationen handelte (Lemmy Kilmister, Chris Cornell).

Natürlich sind einige dieser Songs überhaupt nicht das Ergebnis des Todes eines Rockstars. Wenn sich Bands trennen – von den Beatles über Cream bis hin zu Police –, muss es eine letzte Aufnahme geben. Und dann gibt es Musiker wie Billy Joel, die versuchen, sich aus dem Studio zurückzuziehen, obwohl sie weiterhin auftreten.

Einige dieser letzten Hurra zählen zu den bekanntesten Songs des Künstlers (die Doors und Roxy Music erschienen mit Klassikern), andere sind Coverversionen: Die Band und Jerry Garcia verabschiedeten sich mit Hommagen. Einige Acts gaben endgültige Abschlusserklärungen über ihre Gruppe (Pink Floyd) oder sogar das Leben selbst (Warren Zevon) ab, während andere einen eindrucksvollen Einblick in ihr letztes Lebensjahr auf dem Planeten gaben (Freddie Mercury, Kurt Cobain).

Ob voller tiefer Bedeutung oder ohne Ahnung von der bevorstehenden Tragödie, hier sind die letzten Lieder von 30 legendären Künstlern.

„Belly Button Window“, Jimi Hendrix

Die letzte Studioaufnahme, die Jimi Hendrix vor seinem Tod machte, war ein Lied über die Geburt. Tatsächlich schrieb Hendrix den Country-Blues-Song über die Monate vor der Geburt und stellte sich vor, wie es für einen heranwachsenden Fötus wäre, seine Eltern aus der Perspektive eines „Belly Button Window“ zu beobachten.

Berichten zufolge war die bevorstehende Vaterschaft von Hendrix‘ Bandkollegen Mitch Mitchell der Auslöser für die Komposition. Aber Hendrix schien sich für die Texte auf seine eigenen unglücklichen Kindheitserinnerungen zu stützen, die auf zwei Eltern schließen lassen, die von der Schwangerschaft alles andere als begeistert sind: „Ich schwöre, ich sehe nichts als eine Menge Stirnrunzeln / Und ich frage mich, ob das der Fall ist.“ will mich bei dir haben.

Hendrix schrieb den Text vor der Melodie, und der Text wurde erstmals im Juli 1970 in Hendrix‘ brandneuen Electric Lady Studios mit der Melodie ausprobiert, die zu „Midnight Lightning“ werden sollte. Am 22. August nahm Hendrix die endgültige, bluesige Version als Solostück auf und überspielte ein Wah-Wah. Am selben Tag verbrachte er Zeit damit, darüber nachzudenken, welche neuen Aufnahmen sein nächstes Album umfassen würden – eines, dessen Veröffentlichung er nicht mehr erleben würde.

Tage nach der Session machten sich Hendrix, Mitchell und Billy Cox auf den Weg, um 1970 beim Isle of Wight-Festival in Großbritannien zu spielen, gefolgt von weiteren Europatourneen im September. Hendrix starb weniger als einen Monat nach der Veröffentlichung von „Belly Button Window“ und starb im Alter von 27 Jahren an drogenbedingter Erstickung. Hendrix‘ letzte Aufnahme wurde später zum Schlussstück seiner ersten posthumen LP „Cry of Love“.

„I'm Gonna Crawl“, Led Zeppelin

Den meisten Berichten zufolge verliefen die letzten Aufnahmesitzungen von Led Zeppelin – für das Album „In Through the Out Door“ – deutlich weniger harmonisch. Aber es hatte mehr mit dem Rockstar-Lebensstil einiger Mitglieder zu tun als mit der Musik.

Robert Plant und John Paul Jones, die (relativ) sauber lebenden Mitglieder der Band, waren bei den meisten Tracks der LP führend. Sie nahmen ihre Beiträge tagsüber in den Polar Studios von ABBA in Stockholm, Schweden, auf. Nachts tauchten Jimmy Page (mitten in der Heroinsucht) und John Bonham (der zunehmend auf Alkohol angewiesen war, die Substanz, die zu seinem Tod führte) auf, um ihre Rollen aufzunehmen.

„I'm Gonna Crawl“ war typisch für die Sessions, da der Song größtenteils eine Jones-Komposition war, die er mit seinem Yamaha GX-1-Synthesizer erstellt und nach Wilson Picketts „It's Too Late“ gestaltet hatte. Das vom Soul beeinflusste Lied war nicht nur der letzte Titel des Albums, es war auch der letzte im Studio aufgenommene Song von Led Zeppelin. Unter dem Arbeitstitel „Every Little Bit of My Love“ (oder „Blurt“, „Blot“ oder „I Could Crawl“) wurde das Lied am 23. November 1978 auf Tonband aufgenommen. Es blieben nur noch punktuelle Overdubs und das endgültige Mischen danach.

Als „In Through the Out Door“ im August 1979 veröffentlicht wurde, gab es kaum einen Verdacht, dass es Zeppelins letztes, richtiges Studioalbum sein würde. Die Band löste sich erst etwa ein Jahr später auf, nachdem der stark betrunkene Bonham am 25. September 1980 nach Erbrechen im Schlaf starb. Nach seinem Unfalltod im Alter von 32 Jahren gaben die übrigen Mitglieder eine Erklärung ab: „Wir wünschen es.“ zu wissen, dass der Verlust unseres lieben Freundes und das tiefe Gefühl ungeteilter Harmonie zwischen uns und unserem Manager uns zu der Entscheidung geführt haben, dass wir nicht so weitermachen können wie bisher.“

Obwohl „Coda“ aus dem Jahr 1982 „neues“ Material in Form übrig gebliebener Titel einführte, blieb „I'm Gonna Crawl“ der letzte Song, den die vier Mitglieder von Led Zeppelin jemals in einem Aufnahmestudio kreierten.

„Weil“ die Beatles

Den Finger auf den letzten aufgenommenen Song der Fab Four zu legen, ist keine einfache Aufgabe. Abhängig von Ihrer Sichtweise gibt es mehr als eine richtige Antwort.

Man könnte sagen, dass „Real Love“ der letzte Song war, den die Beatles im Studio gemacht haben, als Paul McCartney, George Harrison und Ringo Starr im Februar 1995 für das Anthology-Projekt neue Musik zu einer alten John-Lennon-Kassette hinzufügten. Aber John hatte es bereits getan seine Rolle vor seinem Tod im Jahr 1980.

Oder man könnte es rechtfertigen, dass „I Me Mine“ der letzte Song war, den die Beatles im Studio aufgenommen hatten, da er am 3. Januar 1970 für „Let it Be“ aufgenommen wurde. Aber Lennon war auch nicht Teil dieser Session, da er sich stillschweigend verabschiedete die Beatles ein paar Monate zuvor. (Die dreiteiligen Harmonien des Liedes wurden von Harrison, McCartney und Starr bereitgestellt.)

Man kann vielleicht behaupten, dass „I Want You (She's So Heavy)“ die letzte Studiokreation der Beatles war, denn der Song wurde am 20. August 1969 fertiggestellt, als alle vier Beatles das letzte Mal zusammen im Studio waren. Aber sie nahmen das Abbey Road-Epos an diesem Tag nicht wirklich auf, sondern überwachten lediglich die Bearbeitung des Titels – sie fügten zwei verschiedene Versionen aus früheren Sessions zusammen und beendeten den Song auf Wunsch von Lennon mit einem abrupten Schnitt.

Der beste Kandidat für „letzter Beatles-Song“ ist also „Because“. Obwohl andere Titel von Abbey Road (und Let it Be) anschließend Overdubs und Bearbeitungen erhielten (allerdings nie von der Zusammenarbeit aller vier Beatles), war „Because“ der letzte Song, den die Beatles zu viert aufnahmen. Sie schufen den Großteil des Titels – einschließlich Gitarre, Cembalo, Bass und Gesang – am 1. August 1969 in den Abbey Road Studios.

„Nachdem John, Paul und George das Backing komponiert hatten, sangen sie die Harmonie“, erinnert sich Produzent George Martin in „The Complete Beatles Recording Sessions“. „Dann haben wir es noch zweimal überlagert, sodass insgesamt neunstimmige Harmonien entstanden, drei Stimmen dreimal aufgenommen. Ich habe ihnen buchstäblich gesagt, welche Noten sie singen sollten.“

Hardcore-Beatles-Fans dürften jetzt auffallen, dass Ringo in Lennons Song ohne Schlagzeug nicht zu hören ist, in dem die anderen drei Mitglieder singen und spielen, zusammen mit Martin am Cembalo. Um jedoch Lennons Gitarre und Martins Cembalo im Gleichschritt zu halten, spielte der ständige Schlagzeuger der Beatles während der Aufnahme ein High-Hat-Becken in ihre Kopfhörer. Sein metronomartiges Spiel sollte nicht in der fertigen Version des Titels vorkommen.

Auch wenn Starr zwischen dem eindringlichen Gesang und der strengen Instrumentierung nicht zu hören ist, hat er dennoch einen bedeutenden Beitrag zu „Because“ geleistet und es zum letzten Song gemacht, den alle vier Beatles im Studio aufgenommen haben.

„Auf dünnem Eis wandeln“, John Lennon

Lennons letztes aufgenommenes Werk enthielt keine seiner eigenen Melodien. Seine letzten Sessions verbrachte er mit der Zusammenarbeit mit seiner Frau Yoko Ono an ihrer New-Wave-Single „Walking on Thin Ice“.

„Double Fantasy“ war gerade ein großer gemeinsamer Hit für Ono und Lennon geworden, die sich seit Mitte der 70er Jahre in einer Auszeit von der Popmusik befanden, und sie waren fest entschlossen, die verbleibenden Tracks für neue Singles und eine weitere LP fertigzustellen. Begeisterung erfüllte die New Yorker Hit Factory, als sie sich zur Arbeit mit dem Produzenten Jack Douglas trafen. Lennon holte am 4. Dezember sogar seine alte Rickenbacker 325 von 1958 hervor (das schwarz-weiße Instrument, das er in der Blütezeit der Beatlemania so oft gesehen hatte), um dem Dance-Pop-Stück Gitarrenparts und auch einige Keyboards hinzuzufügen .

Vier Tage später fügten Lennon, Ono und Douglas den letzten Schliff zu „Walking on Thin Ice“ hinzu und hörten sich dann noch einmal an, was sie gemacht hatten. Laut Douglas hatten alle drei das Gefühl, gerade Onos erster großer Pop-Hit geschafft zu haben.

„Wir drei haben wirklich gefeiert“, sagte Douglas später dem Rolling Stone. „Wir haben den Soho News-Artikel über Yoko [ein Interview mit der witzigen Überschrift „Yoko Only“] gefeiert, den neuen Song und die Presse, die Yoko erhalten hatte: Wir waren wirklich glücklich darüber. Zu diesem Zeitpunkt lief alles gut. Am Montagabend schien alles in Ordnung und einfach perfekt zu sein.“

Bedauerlicherweise nahm die Nacht eine schreckliche Wendung, als Lennon und Ono nach Hause in ihre New Yorker Residenz zurückkehrten und der ehemalige Beatle von Mark David Chapman erschossen wurde. John hielt den finalen Mix von „Walking on Thin Ice“ in der Hand, als er erschossen wurde. Er war 40.

Das Lied, in dem Ono über die Unvorhersehbarkeit des Lebens grübelte, wurde etwa einen Monat später, am 6. Januar 1981, veröffentlicht. „Walking on Thin Ice“ trug unter dem Songtitel auf dem Cover der Single eine einfache Hommage: „For John“. ."

„Pferd zum Wasser“, George Harrison

George Harrison erlag am 29. November 2001 im Alter von 58 Jahren seinem Kampf gegen den Krebs, jedoch nicht bevor er etwa zwei Monate vor seinem Tod eine letzte Aufnahme fertiggestellt hatte.

Er reiste in die Schweiz, um mit Unterstützung von Jools Holland und seinem Rhythm & Blues Orchestra ein Lied aufzunehmen, das er mit seinem Sohn Dhani Harrison geschrieben hatte und den Titel „Horse to the Water“ trug. Harrison war nicht der beste Freund von Holland, einem Pianisten, Fernsehmoderator und ehemaligen Mitglied von Squeeze. Tatsächlich waren sie durch gemeinsame Freunde verbunden. Einer von Harrisons ältesten Freunden war der britische Musiker Joe Brown, dessen Tochter Sam Brown kürzlich im holländischen R&B Orchestra gesungen hatte.

Als Holland das All-Star-Projekt Small World, Big Band plante (unter anderem mit Steve Winwood, David Gilmour und Sting), erreichte Harrison die Nachricht, der entschied, dass er den perfekten Song für das Album hatte – eine bluesige Nummer über die Sinnlosigkeit, Menschen dazu zu bringen, sich zu ändern. Als der bläsertönende Titel am 2. Oktober 2001 aufgenommen wurde, war George durch den Krebs so geschwächt, dass er bei dem Lied nicht mehr Gitarre spielen konnte. Aber es gelang ihm, dem Lied, das er mit seinem Sohn geschrieben hatte, eine starke, wenn auch ermüdende Stimme zu verleihen.

„Horse to Water“ erschien im Dezember 2001, nur wenige Tage nach Harrisons Tod. Mit einem Hauch von schwarzem Humor gab George als Herausgeber des Liedes „RIP Limited, 2001“ statt wie üblich „Harrisongs“ an.

Eine große Hommage erfolgte im darauffolgenden Jahr, als das Holland's Rhythm & Blues Orchestra beim Concert for George anlässlich des einjährigen Todestages von Harrison auftrat. Sie spielten Harrisons letztes aufgenommenes Lied, mit Dhani Harrison an der Akustikgitarre von Dhani Harrison und Sam Brown als Leadsänger, eine Hommage an einen Mann, der sowohl eine Musiklegende als auch der verstorbene Freund ihres Vaters war.

„Abzeichen“, Creme

Eric Clapton, ein weiterer Freund von Harrison, fungierte als Bandleader beim Concert for George. Ihre Freundschaft und gelegentliche musikalische Zusammenarbeit reichten bis in die Zeit zurück, als Harrison ein Beatle und Clapton im Power-Trio Cream war.

Im Jahr 1968 waren beide Bänder an den Rändern ausgefranst. Um die Spannungen während der Sessions zum „White Album“ der Beatles abzubauen, holte Harrison tatsächlich Clapton als Gast mit, da er wusste, dass sich die anderen in Anwesenheit eines Außenseiters von ihrer besten Seite zeigen würden. (Außerdem gelang ihm bei „While My Guitar Gently Weeps“ ein Killer-Gitarrensolo.)

Die Beatles kämpften sich durch ein weiteres Aufnahmejahr und ein paar weitere Alben, aber Jack Bruce, Ginger Baker und Clapton entschieden, dass 1968 die letzte Cream-Tournee und die letzten Studioaufnahmen stattfinden würden. Zum Abschied veröffentlichte die Band eine letzte LP (mit dem Titel „Goodbye“, nur um sicherzustellen, dass keine Verwirrung über die Situation herrschte) mit Live-Material und einer neuen Studioaufnahme aus der Feder jedes Mitglieds. Für seinen Beitrag erhielt Clapton große Unterstützung von seinem Freund.

„Ich habe Eric geholfen, ‚Badge‘ zu schreiben, wissen Sie“, sagte Harrison später. „Wir arbeiteten einander gegenüber und ich schrieb die Texte auf und wir kamen zum Mittelteil, also schrieb ich ‚Bridge‘.“ Eric las es verkehrt herum und lachte laut: „Was ist BADGE?“ sagte er. Danach kam Ringo betrunken herein und erzählte uns diese Zeile über die im Park lebenden Schwäne.

Starr erhielt keine offizielle Anerkennung für seine Unterstützung bei Creams, ähm, Schwanengesang, und Harrison erhielt auch keine offizielle Anerkennung für die ersten Kopien von Goodbye und der Single „Badge“ – ein Fehler, der später korrigiert wurde. Auf Creams letztem Album wurde Harrison aus vertraglichen Gründen unter dem Pseudonym „L'Angelo Misterioso“ aufgeführt.

Harrison schloss sich Bruce, Baker und Clapton in den Wally Heider Studios in Los Angeles an, um den Grundtrack für „Badge“ zu erarbeiten. Die Sessions, die während Creams Amerika-Tournee im Herbst 1968 stattfanden, wurden vom Produzenten Felix Pappalardi betreut, der bei dem Stück auch Keyboards spielte. Etwa einen Monat später wurde „Badge“ mit zusätzlichen Overdubs in London fertiggestellt. Der schillernde, unsinnige Song wurde Creams letzter Chartsong in Nordamerika, Europa und Australien. Keine schlechte Art, auszugehen.

„Weihnachten in Falludscha“, Billy Joel

Nach „River of Dreams“ von 1993 hörte Billy Joel auf, neue Alben zu machen. Er war noch nicht fertig mit Auftritten oder Tourneen, aber was das Schaffen neuer Musik (und den nie endenden Zyklus von Aufnahmen, Veröffentlichungen und Promotion) angeht, war der Joel so gut wie am Ende.

Ziemlich viel, aber nicht vollständig. Seit 1993 ist jedes Mal, wenn Joel seinen Fuß in das Wasser neuer Melodien taucht, ein Ereignis für seine Fans. Im Jahr 2001 veröffentlichte er eine Sammlung klassischer Originalkompositionen, die er jedoch weder spielte noch produzierte. Im Jahr 2006 nahm Joel „All My Life“ als Hommage an seine damalige Frau Katie Lee auf, und Columbia Records war nur zu erfreut, pünktlich zum Valentinstag 2007 Joels ersten Popsong seit mehr als einem Jahrzehnt zu veröffentlichen.

Doch später im selben Jahr versuchte Joel, einen neuen Song aufzunehmen, diesmal mit der Absicht, ihn der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Bestürzt über die Zeit, die die US-Streitkräfte im Irak verbracht hatten, und beunruhigt über das „Gefühl der Entfremdung“, das er in Briefen von im Nahen Osten stationierten Soldaten spürte, wurde einer der erfolgreichsten Songwriter der Popmusik zum Handeln angespornt. Im September 2007 schrieb er „Weihnachten in Falludscha“.

„Ich war zu Hause auf Long Island und wusste sofort, als ich es schrieb, dass ich nicht der Richtige war, um es zu singen“, sagte Joel dem Rolling Stone. „Ich versuche nicht, mich von dem zu distanzieren, was ich geschrieben habe, aber ich dachte nicht, dass meine Stimme die richtige sei. Ich dachte, es sollte jemand sein, der ungefähr im Alter der Leute war, die dort drüben dienten.“

Joel engagierte Cass Dillon, eine jüngere Künstlerin, als Sängerin für die knallharte Aufnahme, die im Herbst 2007 produziert und am 4. Dezember als digitale Single veröffentlicht wurde. Der Erlös wurde an Homes for Our Troops gespendet, eine Wohltätigkeitsorganisation, die Häuser baut Veteranen, die in Amerikas Kriegen des 21. Jahrhunderts verletzt wurden. Ungefähr ein Jahr später knurrte Joel seine eigenen Texte für eine Live-Version von „Christmas in Fallujah“, die in Australien aufgenommen und als separate Single veröffentlicht wurde, die den australischen und amerikanischen Truppen im Ausland gewidmet war. Während sich einige Fans über die Aussicht auf neues Material von Joel freuten, waren andere überrascht, dass ein Künstler, der seine Arbeit bisher unpolitisch gehalten hatte, sich zu den aktuellen Ereignissen äußerte.

„Die Leute können es nehmen, wie sie wollen“, sagte Joel damals. „Ich stehe nicht auf einer Seifenkiste und mache politische Botschaften. Ich glaube daran, über den Menschen und die Bedingungen zu sprechen, in denen er sich befindet ihre Kunst.“ Bis heute hat sich Joel nicht mehr stark genug gefühlt, neue Songs aufzunehmen und zu veröffentlichen, sodass diese Zusammenarbeit – vorerst – seine letzte bekannte Studioarbeit ist.

„Riders on the Storm“, The Doors (mit Jim Morrison)

Nach dem Tod von Jim Morrison am 3. Juli 1971 veröffentlichten die Doors drei weitere Studioalben – zwei ohne ihren grübelnden Frontmann (Other Voices und Full Circle) und eines, das Poesie, gesprochene Schnipsel und Live-Auftritte verwendete, die Morrison vor seinem Tod aufnahm (An American). Gebet). Aber für die meisten Leute (sogar Ray Manzarek, der viel Energie in die Wiederbelebung seiner früheren Band in den 90ern und 2000ern steckte) endeten die Doors, als Morrison weg war.

Aus dieser Perspektive ist „Riders on the Storm“ die letzte Studioaufnahme der Band. Es entstand im Dezember 1970 und enthält das letzte Werk, das Manzarek, Robby Krieger und John Densmore für die LP „LA Woman“ gemacht haben, sowie Morrisons letzten Gesang mit den Doors.

„Robby und Jim haben gespielt und etwas aus ‚Ghost Riders in the Sky‘ gejammt“, sagte Manzarek 2011 zu Uncut. „Ich habe die Basslinie und den Klavierpart vorgeschlagen; der jazzige Stil war meine Idee. Jim hatte bereits die Geschichte über a Killer-Tramper auf der Straße.

In dem mysteriösen Epos der Doors ging es nicht nur um einen Amokläufer (obwohl Morrison in einem Interview den trampenden Mörder Billy Cook erwähnt hatte), sondern auch um Liebe und Loyalität. Morrison suhlte sich in der Dunkelheit, um seinen Gesang zu singen, aber seine Bandkollegen behaupteten, er sei bei den fünftägigen LA Woman-Sessions konzentrierter als seit Jahren gewesen, die am Ende eines harten Jahres stattfanden, zu dem auch seine berüchtigte Verhaftung wegen unsittlicher Entblößung gehörte . Co-Produzent Bruce Botnick erinnert sich, dass es Morrison war, der den Wunsch geäußert hatte, „Riders on the Storm“ noch filmischer zu machen.

„Wir hatten alle die Idee für die Soundeffekte und Jim war derjenige, der es als erster laut sagte: ‚Wäre es nicht cool, Regen und Donner hinzuzufügen?‘“, sagte Botnick 2011. „Ich habe den Elektra-Sound verwendet.“ Wir haben die Effekte aufgenommen und während wir gemischt haben, habe ich einfach den Knopf gedrückt. Serendipity hat funktioniert, so dass der ganze Donner genau an den richtigen Stellen eintraf. Es hat einen irgendwohin gebracht. Es war wie ein Minifilm in unseren Köpfen.“

Dann hatte Densmore die Idee, dass Morrison zusätzlich zu dem traditionell gesungenen Gesang einen zweiten, geflüsterten Gesang aufnehmen sollte. Es war sowohl eine andere Art, Morrisons Stimme Echo zu verleihen, als auch eine weitere gruselige Ergänzung der Aufnahme. Diese geflüsterte Interpretation des Textes war das Letzte, was er mit den Doors tat.

„Wie prophetisch ist das? Ein Flüstern, das in der Ewigkeit verschwindet, wo er jetzt ist“, grübelte Manzarek später. „Von außen betrachtet könnte man es mit einer hübschen kleinen Verbeugung versehen und es als unseren letzten Auftritt ansehen, aber für uns haben wir uns nur den Arsch aufgerissen. Schnell, hart und rockig, aber auch cool und düster.“

„Riders on the Storm“ war auch die letzte Doors-Single, die zu Morrisons Lebzeiten veröffentlicht wurde. Es wurde ein Billboard-Hit in derselben Woche im Jahr 1971, als er im Alter von 27 Jahren tot in einer Pariser Wohnung aufgefunden wurde.

„Blue Yodel #9“, Jerry Garcia

Bis 1995 hatten ein Leben lang gesundheitliche Probleme und Drogenmissbrauch ihren Tribut von Garcia gefordert. Die Grateful-Dead-Legende war nicht mehr so ​​überzeugt von seinen spielerischen Fähigkeiten und auch nicht mehr so ​​begeistert von Auftritten – obwohl Garcia immer noch zustimmte, an einem Jimmie Rodgers-Tribute-Album teilzunehmen, das von seinem Freund Bob Dylan kuratiert wurde.

Wie Dylan zählte Garcia den „Singing Brakeman“ zu seinen Einflüssen und hatte in den 80er Jahren „Blue Yodel #9 (Standing on the Corner)“ mit der Jerry Garcia Band gecovert. Als Dylan anrief, wusste Garcia genau, welchen Song er zur Sammlung beitragen würde. Er wusste nur nicht, dass es seine letzte Studioaufnahme sein würde.

Garcia hat den Rodgers-Klassiker nicht mit The Dead aufgenommen, sondern mit einigen anderen langjährigen Musikfreunden, darunter dem Mandolinisten David Grisman und dem Bassisten John Kahn. „Es war eine Sache in letzter Minute“, sagte Grisman 1997 dem San Francisco Chronicle.

Ende Juli 1995 rief Garcia Grisman an und fragte, ob er eine Aufnahme im Heimstudio des Mandolinenspielers arrangieren könne. Garcia wollte die Sitzung am nächsten Tag absolvieren, aber Grisman hatte andere Verpflichtungen, die dazu führten, dass die Sitzung verschoben wurde. Sie kamen schließlich am darauffolgenden Sonntag zusammen, einen Tag bevor Garcia sich in einem von vielen Versuchen, clean zu werden, in die Betty-Ford-Klinik eincheckte.

Niemand, der sich in Grismans Studio versammelt hatte, einschließlich des Schlagzeugers George Marsh und der Dobro-Spielerin Sally Van Meter, hatte im Voraus eine Ahnung, dass sie das Lied von Rodgers aufnehmen würden. Glücklicherweise besaß Grisman ein Exemplar von „Blue Yodel #9“ und konnte den Text für seinen Kumpel transkribieren. „Eigentlich haben wir die Dinge normalerweise so gemacht“, gab Grisman zu.

Das Quintett spielte fünf Bluegrass-Interpretationen des Liedes, hatte das Gefühl, es richtig gemacht zu haben und trennte sich. Garcia machte sich am nächsten Morgen auf den Weg zur Reha, obwohl er diesen Plan seinen Mitarbeitern gegenüber nicht erwähnte. Er starb innerhalb weniger Wochen an einem Herzinfarkt, den er sich am 9. August 1995 in einer anderen Rehabilitationsklinik zugezogen hatte. Garcia war gerade 53 geworden.

Grisman war nun im Besitz dieser endgültigen Aufnahme und er tat sein Bestes, um der Geschichte gerecht zu werden und den Titel fertigzustellen (durch Hinzufügen eines Präludiums mit Kahn und Overdubbing-Bläsern), bevor er ihn Dylans Leuten für „Songs of Jimmie Rodgers: A Tribute“ übergab. Das Album, mit Garcias letztem Studiowerk, erschien im August 1997.

Auf dem Cover von „Blue Yodel #9“ waren auch einige der letzten Studioarbeiten von Kahn zu sehen, der 1996 an einem Herzinfarkt starb. Als Grisman ein paar Jahre später über die Aufnahmesitzung am Sonntagmorgen nachdachte, spürte er vielleicht, dass das Ende nahe war: „Keiner von beiden sah an diesem Tag wirklich großartig aus.“

„Du weißt, dass du Recht hast“, Nirvana

Die Mitglieder von Nirvana erwarteten nicht, dass sie von den Sessions, die zum letzten aufgenommenen Song der Band führten, viel mitnehmen würden. Sie haben nicht viel Studiozeit gebucht. Sie hatten nicht vor, ein neues Album zu machen. Es war nur ein Session-Wochenende in Seattle zwischen den Etappen ihrer Tour 1993–94.

„Diese Session verlief wie im Flug“, erinnerte sich Dave Grohl im Jahr 2004. „Ich erinnere mich, dass ich auf Tour war und Kurt [Cobain] davon sprach, dass er in ein Studio gehen und ein paar Sachen aufnehmen wollte.“

Grohl, Cobain und Krist Novoselic dachten ursprünglich, sie könnten im Studio X in Seattle landen, bevor Grohl vorschlug, sich ein Studio anzusehen, das ein paar Blocks von seinem Wohnort entfernt lag. Es stellte sich heraus, dass es sich bei den Robert Lang Studios im Norden Seattles um eine riesige unterirdische Anlage handelte, deren 24 Fuß hohe Decken in den Hang gehauen waren. Die Band buchte „Bob's Bunker“, wie Novoselic den Ort nannte, für den 28. bis 30. Januar 1994.

Cobain war in den ersten beiden Tagen nicht zu sehen, also haben Grohl und Novoselic an Instrumentalstücken herumgepfuscht und einiges von ihrem eigenen Material gespielt – darunter Interpretationen der zukünftigen Foo Fighters-Tracks „Big Me“ und „February Stars“. Cobain erschien schließlich am 30. Nachdem er sich einige Ergebnisse der Vortage angehört und dem Sound des Studios seine Zustimmung gegeben hatte, machte er sich mit seinen Bandkollegen an die Arbeit.

„Kurt kam am letzten Tag und wir fragten uns: ‚Okay, was willst du machen?‘“, sagte Grohl 2014 gegenüber Studio Brussel. „Und Kurt sagte: ‚Warum machen wir nicht den Song, den wir haben?‘ Was hast du beim Soundcheck gemacht?' Und so haben wir es, glaube ich, einmal geprobt und es dann aufgenommen.“

Das Lied ohne Titel erhielt damals den Studionamen „Kurt's Tune #1“. Es war etwas, das im Laufe der Herbsttournee zusammengekommen war, um für „In Utero“ zu werben. Der aggressive, dynamische Song hatte nur einen einzigen Auftritt in einem offiziellen Set, während einer Show im Oktober in Chicago. „Wir haben es gemeinsam schnell bombardiert“, erinnert sich Novoselic in „Heavier than Heaven“. „Kurt hatte das Riff und brachte es ein, und wir legten es nieder. Wir haben es ins Nirvana gebracht.“

Die Aufnahme entstand schnell, obwohl es sich nicht um ein One-Take-Wonder handelte, wie einige später behaupteten. Auf der Suche nach einer interessanten Einführung in das Lied nach ein paar Takes entwickelte Cobain den charakteristischen Glockenklang, der die endgültige Aufnahme eröffnet und schließt, indem er die gespannten Saiten über dem Sattel (oder unter dem Steg) seiner Univox-Gitarre zupft. Später an diesem Tag nahm Cobain den Text zu dem Lied auf, das als „You Know You're Right“ bekannt wurde.

Abgesehen von einer Jam-Session war es das. Nirvana packte zusammen, Novoselic nahm die Kassetten des Wochenendes in Besitz und die Band reiste in dieser Woche nach Europa für eine Reihe von Live-Shows, die sich als die letzten von Nirvana herausstellten. Cobain wurde am 8. April 1994 tot aufgefunden. Er war 27 Jahre alt.

„You Know You're Right“ verstaubte einige Jahre lang in Novoselics Haus, bevor er und Grohl auf die Idee kamen, Nirvanas letzte Studioaufnahme als Teil eines Boxsets zu veröffentlichen. Sie wurden jedoch zunächst von Cobains Witwe Courtney Love blockiert. Mit der Zeit einigten sie sich schließlich darauf, den Song als Lead-Single eines Nirvana-Greatest-Hits-Albums herauszubringen, das schlicht „Nirvana“ hieß und im Oktober 2002 veröffentlicht wurde. Fast neun Jahre nach der Aufnahme präsentierte „You Know You're Right“ die Leistung der Band Dauerhafte Relevanz, da die Single ein Radio-, Chart- und Video-Erfolg wurde und dazu beitrug, dass die Compilation weltweit mehrfach mit Platin ausgezeichnet wurde.

„Auf dem Weg nach Hause“, Buffalo Springfield

Als Buffalo Springfield am 30. Juli 1968 ihr drittes Album „Last Time Around“ veröffentlichte, war die Band nicht einmal mehr eine Band. Sie lebten seit mindestens dem Vorjahr von geliehener Zeit, hauptsächlich aufgrund von Problemen mit Neil Young und Bruce Palmer. Ersterer hatte nur schwache Verpflichtungen, mit der Band zu spielen und Aufnahmen zu machen (er wurde bei einem Auftritt beim Monterey International Pop Festival durch David Crosby ersetzt), während Letzterer ein Händchen dafür hatte, wegen Drogenbesitzes verhaftet zu werden.

Als sich seine Verhaftungen häuften, wurde Palmer 1967 in sein Heimatland Kanada zurückgeschoben und vorübergehend in Buffalo Springfield untergebracht – bis er sich später im Jahr heimlich wieder nach Kalifornien zurückzog. Mit Palmers Rückkehr kehrte Young in die Gruppe zurück. Auch wenn die Gruppe nicht lange zusammenhalten sollte, spielten und aufnahmen sie weiter.

Die letzte Aufnahme mit allen fünf Originalmitgliedern (Young, Palmer, Stephen Stills, Richie Furay und Dewey Martin) war das mittelschnelle, von R&B beeinflusste „On the Way Home“, ein von Young geschriebenes und zwischen Mitte 2010 von Buffalo Springfield aufgenommenes Lied -November und Mitte Dezember 1967 in den Sunset Sound Studios in Los Angeles.

Nicht lange danach wurde Palmer erneut wegen Drogenmissbrauchs verhaftet und erneut aus den Staaten abgeschoben. Dieses Mal wurde er am Bass dauerhaft von Jim Messina ersetzt, der auch die nächste LP von Buffalo Springfield produzierte. Dennoch war das so, als würde man Elmers Kleber verwenden, um eine Kontinentaldrift zu verhindern. Young verlor erneut das Interesse und „Last Time Around“ wurde größtenteils von Furay und Messina aus verschiedenen Sessions von 1967 bis 1968 zusammengebastelt. Auf allen zwölf Titeln des Albums erscheint kein einziges Bandmitglied, Young nur auf der Hälfte, Martin auf weniger und Palmer nur auf einem. Nach einem Auftritt im Mai 1968 in der Long Beach Arena war Buffalo Springfield fertig.

„On the Way Home“ wurde die letzte Single der Band – ein bescheidener Hit im Sommer 1968, wenn auch nicht annähernd „For What It's Worth“ – und Buffalo Springfield zersplitterte in Projekte, die dauerhaften Erfolg gehabt hätten. Furay und Messina gründeten das Land -Rock-Band Poco, Stills wurde Teil von Crosby, Stills und Nash (manchmal auch Young) und Young begann seine Solokarriere.

„Mercedes Benz“, Janis Joplin

"Das ist es!" Janis Joplin verkündete, gefolgt von einem Gackern, am Ende von „Mercedes Benz“. Dies wären die letzten Momente, die von einer der beliebtesten Sängerinnen der Musik aufgezeichnet wurden, zu einem Lied, das so lässig ihren ansteckenden Sinn für Humor und ihr bemerkenswertes Talent zum Ausdruck brachte.

Joplin kam auf die alberne Melodie, ein paar Monate bevor sie sie im August 1970 zwischen Auftritten in Port Chester, New York, aufnahm. Während eines Trinkgelages mit seinem Musikerfreund Bob Neuwirth und den Schauspielern Rip Torn und Geraldine Page sang Janis immer wieder die erste Zeile eines Liedes des Dichters Michael McClure: „Komm schon, Gott, und kauf mir einen Mercedes-Benz.“ Weitere Runden Getränke halfen ihr, den einsamen Vers in eine längere Komposition zu überführen, wobei Joplin ihren Schöpfer humorvoll um einen Farbfernseher und „eine Nacht in der Stadt“ bat. Neuwirth assistierte und schrieb den Liedtext auf eine Barserviette.

„Wir saßen alle herum, schlugen Bierkrüge auf den Tisch und sangen den Rest des Liedes, nämlich die ersten paar Zeilen – und wir beendeten es in dieser Bar“, erinnerte sich Neuwirth gegenüber Yahoo! Musik im Jahr 2013. Bald darauf erfuhr Joplin, dass sie für ihren zweiten Auftritt auf der Bühne stehen musste, bei dem sie „anfing, dieses Lied zu singen – alleine, a cappella“.

Janis spielte „Mercedes Benz“ ein paar Mal auf Tournee, bevor sie im September in die Sunset Sound Studios in Los Angeles ging, um ihr nächstes Album aufzunehmen, das posthum veröffentlicht werden sollte: Pearl. Die Sängerin hatte nicht unbedingt vor, ihren anderthalbminütigen, konsumfeindlichen Patzer aufzunehmen, aber als die kompliziertere Mehrspurausrüstung am 1. Oktober kaputt ging, füllte sie die Zeit mit der Aufnahme von „Mercedes“. Benz." Sie sang es allein und a cappella – wie im Konzert – auf dem Zweispurrecorder des Studios.

„Es ist einfach die reine Kraft ihres Charismas, die es so bemerkenswert macht“, sagte Neuwirth. „Das kleine Kichern am Ende, es ist so Janis – und das war mehr bezeichnend für die Frau als alles, was über sie geschrieben wurde. Ich meine, sie war ein lustiges Mädchen.“

Leider wäre dieses Lachen das letzte aufgenommene Werk, das jemals von Joplin gehört wurde. Drei Tage später, am 4. Oktober 1970, wurde sie im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin tot aufgefunden. Da die Sessions für „Pearl“ noch nicht abgeschlossen waren, wurde „Mercedes Benz“ auf die Tracklist der LP gesetzt, einfach weil es keine gab. t andere Optionen. Das A-cappella-Stück wurde im Januar 1971 auf dem Album und im selben Jahr als B-Seite der Single „Cry Baby“ veröffentlicht – und übertraf schließlich die A-Seite und wurde zu einem von Joplins bekanntesten Liedern. "Das ist es!"

„Mother Love“, Freddie Mercury (mit Queen)

Freddie Mercurys Gesundheitszustand verschlechterte sich stark, nachdem die Arbeit an Innuendo, das im Februar 1991 erschien, beendet war. Der einst dynamische Frontmann litt unter den Folgen von AIDS und wurde immer müder und schwächer. Mercury wusste, dass er nicht lange genug leben würde, um die nächste LP der Band fertigzustellen – aber er konnte seinen Bandkollegen beim Anfang helfen.

„Wir hatten die Gespräche geführt und wussten, dass wir völlig auf geborgter Zeit waren, weil Freddie gesagt wurde, dass er es nicht bis zu diesem Punkt schaffen würde“, sagte Brian May in der Dokumentation „Queen: Champions of the World“. „Ich glaube, unser Plan bestand darin, dorthin zu gehen, wann immer es Freddie gut genug ging, um ihn so oft wie möglich zu nutzen. Wir lebten praktisch eine Zeit lang im Studio und dann rief er an und sagte: ‚Ich kann kommen‘ „Wir hatten vor, ihn so oft wie möglich zu nutzen.“ Wissen Sie, er sagte zu uns: „Lass mich irgendetwas singen, schreibe mir etwas, und ich werde es singen und ich werde es dir überlassen.“ wie ich nur kann.‘“

Eines dieser Dinge war „Mother Love“, das letzte von Mercury und May gemeinsam geschriebene Lied und der letzte Gesang, den die Sängerin jemals aufgenommen hat. Der Text vermittelt eine Vorstellung von dem Schmerz und der Traurigkeit, die Freddie im letzten Lebensjahr des Sängers empfand (und die May miterlebte). Er weint über „Trost und Fürsorge“, bittet um Liebe und fleht: „Ich sehne mich nach Frieden, bevor ich sterbe.“

Mercury nahm diese Worte Mitte Mai 1991 in Queens Aufnahmebasis Mountain Studios in Montreux, Schweiz, auf. Aber er ließ das Lied unvollendet, weil er seinen Körper einfach nicht weiter anstrengen konnte. Merkur war nur noch sechs Monate vom Tod entfernt.

„Nachdem er die zweite Strophe beendet hatte, sagte er: ‚Oh, mir geht es nicht so gut. Ich gehe nach Hause und wir werden es morgen zu Ende bringen‘ – und das tat er nie“, sagte May in Days of Unsere Leben. „Das war das letzte Mal, dass ich Freddie im Studio gesehen habe.“

Mercury starb am 24. November 1991 im Alter von 45 Jahren. Ungefähr zwei Jahre später fanden sich die verbleibenden Mitglieder von Queen – May, John Deacon und Roger Taylor – zusammen, um die letzten Aufnahmen sowie einiges Material aus früheren Sessions fertigzustellen. May sang in Mercurys Abwesenheit die letzte Strophe von „Mother Love“. Es folgten die Klänge eines Mitsingens aus Queens berühmter Show von 1986 im Wembley-Stadion, Hyperspeed-Ausschnitte aus jedem einzelnen Song der Band und ein Sample von Freddies Gesang aus dem Jahr 1972: „Ich glaube, ich gehe zurück zu den Dingen, die ich gelernt habe.“ so gut in meiner Jugend. Der Schrei eines Babys vervollständigte den Kreis des Lebens, den die Mitglieder der Queen als Hommage an ihren gefallenen Freund vermitteln wollten.

„Mother Love“ wurde im November 1995, knapp vier Jahre nach Mercurys Tod, auf Made in Heaven, dem 15. und letzten Studioalbum von Queen, veröffentlicht.

„Jacksonville Kid“, Ronnie Van Zant (mit Lynyrd Skynyrd)

Lynyrd Skynyrd-Frontmann Ronnie Van Zant wuchs mit Country-Musik im Radio auf. Als er älter wurde, fühlte er sich zunehmend zu den Country-Stars hingezogen, die sich selbst als Gesetzlose brandmarkten, zu Künstlern wie Waylon Jennings und insbesondere Merle Haggard. Letzterer blieb Van Zants Lieblingsmusiker im Tourbus, bis weit in Skynyrds erfolgreichen Lauf Mitte der 70er Jahre hinein.

„Ronnies Lieblingstyp war Merle Haggard, und das hörte er einfach jeden Tag“, sagte Skynyrd-Gitarrist Gary Rossington 2009 gegenüber CMT. „Ich liebte es. Billy [Powell, Keyboarder] stritt sich immer mit ihm. Er mochte Yes und Emerson, Lake & Palmer – und Keyboard-Sachen. Aber wir haben uns die guten alten Sachen angehört.“

Lynyrd Skynyrds erstes im Studio aufgenommenes Haggard-Cover ließ also lange auf sich warten. Als Van Zant und seine Bandkollegen 1977 „Honky Tonk Night Time Man“ für die Street Survivors-Sessions auswählten, war das kaum ein unerwarteter Schritt für eine Band, die den Twang und das Geschichtenerzählen der Country-Musik mit dem akustischen Angriff des Rock'n'Roll verband .

Obwohl die Bandversion von Haggards Song aus dem Jahr 1974 auf dem letzten Album von Lynyrd Skynyrds ursprünglichem Album erschien, spielte Van Zant auch mit einer virtuellen Songwriting-Zusammenarbeit mit seinem Country-Helden. Unter Verwendung von Haggards „Honky Tonk“-Melodie schrieb Van Zant neue autobiografische Texte zu der Melodie, die sich um seine Heimatstadt dreht. Er nannte das Lied „Jacksonville Kid“.

In Van Zants vermutlich letztem Studiogesang sang er über die Liebe zu seiner Stadt, obwohl er sich in der Disco-Szene fehl am Platz fühlte oder von einigen Einwohnern sogar völlig unerwünscht war. „Herr, ich stehe auf ihren Fahndungsplakaten“, sang Van Zant, begierig darauf, Haggards Outlaw-Image zu verkörpern. „Ich kann mein Gesicht in der Stadt nicht zeigen.“ Der Song verlor für die Endfassung von „Street Survivors“ an Lynyrd Skynyrds Version des Haggard-Originals und „Jacksonville Kid“ wurde erst im Jahr 2000 offiziell veröffentlicht.

Nur wenige Monate nachdem er das Lied im August 1977 aufgenommen hatte, war Van Zant einer von sechs Menschen, die getötet wurden, als Lynyrd Skynyrds Tourflugzeug am 20. Oktober, nur wenige Tage nach der Veröffentlichung des neuen Albums der Band, zwischen den Stopps keinen Treibstoff mehr hatte und in Mississippi abstürzte Album. Van Zant war 29 Jahre alt. Bei seiner Beerdigung in Florida ließ Van Zants Familie zu diesem traurigen Anlass Merle Haggards „I Take a Lot of Pride in What I Am“ spielen. The Jacksonville Kid war bis zum Ende ein Haggard-Fan.

„Given All I Can See“/„Here She Comes Again“, Tom Petty (mit Chris Hillman)

Als Tom Petty am 2. Oktober 2017 im Alter von 66 Jahren starb, war das letzte große Studioprojekt, an dem er gearbeitet hatte, weder eine neue Heartbreakers-Platte noch ein Solo-Album. Es war das neueste Album des ehemaligen Byrds-Mitglieds Chris Hillman. Bidin' My Time wurde 2017 aufgenommen und kurz vor Pettys Tod aufgrund gemischter Drogentoxizität veröffentlicht.

Hillman, der auch bei den Flying Burrito Brothers, Manassas und der Desert Rose Band war, schrieb Petty (zusammen mit seinem langjährigen Freund Herb Pedersen) zu, dass er ihn überzeugt hatte, sein erstes Studioalbum seit 2005 zu machen. Petty stimmte zu, Bidin' My Time zu produzieren in seinem eigenen Studio.

„Ich hätte nicht gedacht, dass ich jemals wieder eine Platte machen würde“, sagte Hillman gegenüber Billboard vor der Veröffentlichung des Albums. „Das kam einfach durch Herb und Tom Petty zustande. … Nachdem ich im Herbst, November, ein langes Gespräch mit Tom geführt hatte, sagte ich: ‚Bist du sicher, dass du das machen willst?‘, und er antwortete: ‚Willst du das?‘ Willst du, dass ich das tue?' … Er sagte: „Großartig, wir werden mein altes Studio und alles nutzen.“ … Alles in allem war es eine Freude. Ich hatte noch nie so viel Spaß beim Aufnehmen.“

Petty war nicht nur Produzent der Sessions, er konnte auch nicht anders, als ein wenig mitzumachen, indem er Mundharmonika bei „Given All I Can See“ (das Hillman sein Lieblingsstück auf der CD nannte) spielte und E-Gitarre bei „Here She Comes“ beisteuerte Again“ (ein Lied, das Hillman mit dem ehemaligen Byrds-Bandkollegen Roger McGuinn geschrieben, aber nie richtig aufgenommen hatte).

Es wird angenommen, dass diese beiden Songs Pettys letzte Studioaufnahmen sind. Obwohl keines von beiden mit der kompletten Heartbreakers-Band entstanden ist, hat Tom die Hilfe seiner Gruppe für das Hillman-Projekt in Anspruch genommen. Beispielsweise spielte Benmont Tench die Orgel auf „Here She Comes Again“, Steve Ferrone trommelte auf beiden Tracks mit Petty und Gitarrist Mike Campbell tauchte an anderer Stelle auf. Darüber hinaus coverte Hillman Pettys „Wildflowers“ auf dem Album.

Das schien eine Anspielung auf das Lob und die Unterstützung zu sein, die Petty den Byrds im Laufe seiner Karriere entgegenbrachte, von der Produktion von Platten ehemaliger Mitglieder bis hin zur Coverversion von Byrds-Liedern wie „I'll Feel a Whole Lot Better“ und „So You Wanna Be a Rock 'n“. „Roll Star“ mit den Heartbreakers. Nach Pettys Tod drückte Hillman seine ewige Dankbarkeit für Pettys Musik, Zusammenarbeit und Freundschaft aus. „Ich habe Tom so sehr geliebt. Er war so ein Segen in meinem Leben“, sagte Hillman. „Tom hat alle mit seiner wunderschönen Musik berührt.“

"Little Martha, Duane Allman (mit der Allman Brothers Band)

Dieses sanfte Gewirr aus Akustikgitarren war der erste Song, den Duane Allman selbst für die Allman Brothers Band schrieb. „Little Martha“ war auch das letzte Lied, das er jemals in einem Studio aufgenommen hat.

Im Herbst 1971 waren die Allmans beschäftigt, nachdem sie einige Studioalben aufgenommen und sich langsam einen Namen auf Tourneen gemacht hatten, hatte die Gruppe mit dem legendären Live-Album At Fillmore East endlich den Durchbruch geschafft. Zwischen den Terminen eines überfüllten Tourplans versuchten die Allman Brothers, jedes Mal, wenn sie ein paar Tage frei hatten, Material für ein Folgealbum aufzunehmen.

Eine Pause im Oktober gab Duane, Gregg Allman, Dickey Betts, Berry Oakley, Jai Johanny Johanson und Butch Trucks die Gelegenheit, in die Criteria Studios in Miami zu gehen, um mit dem Produzenten Tom Dowd aufzunehmen. Dort machten die Allmans ihre letzten Aufnahmen mit Duane (alle auf Seite drei von Eat a Peach aus dem Jahr 1972 zu hören): „Stand Back“, „Blue Sky“ und „Little Martha“.

Duane behauptete, dass ihm die Melodie des letzten Liedes im Traum gekommen sei. Kurz nach dem Tod von Jimi Hendrix im Jahr 1970 platzierte Allmans Unterbewusstsein die beiden Gitarrengrößen in einem Badezimmer eines Holiday Inn. Allman erinnerte sich, dass Hendrix ihn zu einem Waschbecken geführt hatte, das über besondere musikalische Fähigkeiten verfügte.

„Jimi beugte sich zum silbernen Wasserhahn, drehte ihn sanft und drehte und drehte ihn weiter, und während er das tat, kam ein wunderschönes Gitarrenriff heraus“, sagte Galadrielle Allman und sprach in „Please Be With Me: A Song for“ über den Traum ihres Vaters Mein Vater, Duane Allman. „Die Melodie, die Jimi ihm gab, war der Keim für ‚Little Martha‘.“

Die Melodie war ein Traumgeschenk von Hendrix, aber der Titel (und vielleicht auch die Stimmung) stammten von etwas Greifbarerem. Einige haben vorgeschlagen, dass sich „Little Martha“ auf Martha Ellis bezieht, ein 12-jähriges Mädchen, das in einer Statue auf dem Rose Hill Cemetery in Macon, Georgia, begraben und verewigt wurde. Andere sind überzeugt, dass „Martha“ Duanes Spitzname für seine Geliebte Dixie Meadows war , wegen ihrer Vorliebe für altmodische Kleidung und weil der friedliche Charakter des Liedes ihr gewidmet war.

Unabhängig von der Inspiration wurde „Little Martha“ Anfang Oktober 1971 von Allman, Betts und Oakley auf Tonband aufgenommen. Als die Band sich die Ergebnisse anhörte, kam sie zu dem Schluss, dass Oakleys Bass zu schwer für den Song war und sein Part wurde aus der Version von „Eat a Peach“ abgemischt.

Wenige Wochen nach den Sitzungen in Miami, am 29. Oktober, starb Duane Allman nach einem Motorradunfall in Macon. Er war 24 Jahre alt. Der Gitarrist wurde in Rose Hill begraben, der gleichen Ruhestätte, vielleicht auch von „Little Martha“.

„Avalon“, Roxy Music

Zu den Inspirationen für das letzte Studioalbum von Roxy Music gehörten die König-Artus-Legende, Landschaften in Irland (wo Frontmann Bryan Ferry begann, Material für die LP zu schreiben) und die Drogengewohnheiten der Bandmitglieder. Alle drei zusammen ergeben die mystische, mythische Ästhetik des Albums oder „spaced-out stuff“, wie Gitarrist Phil Manzanera es einmal beschrieb.

Obwohl Roxy Music während des Großteils der Aufnahmen in den Compass Point Studios auf den Bahamas eine Version von „Avalon“ geschnitten hatte, entdeckten Co-Produzent Rhett Davies und die Band dies, als die Sessions zur Fertigstellung und zum Mischen in die Power Station in Manhattan verlegt wurden dass die Aufnahme einfach nicht dem Standard des übrigen Materials entsprach. Da es sich um den Titeltrack der LP handelte, gab es nur eines zu tun.

„Bei dem Song ‚Avalon‘ mussten wir den gesamten Song gleich am Ende des Albums neu schneiden“, sagte Davies 2003 zu Sound on Sound. „Also haben wir beim Mischen den gesamten Song mit einem völlig anderen Groove neu geschnitten.“ . Wir haben es am letzten Wochenende, an dem wir gemischt haben, fertiggestellt.“

Inmitten von Ferrys verträumten Artus-Fantasien vom Paradies manifestierte sich ein subtiler Reggae-Groove – das Ergebnis, so vermutete Manzanera einmal, darauf, dass er Mitte der 70er Jahre in denselben Studios aufgenommen hatte wie Bob Marley. Durch die Hinzufügung eines Backgroundsängers erhielt das Lied einen zusätzlichen karibischen Touch.

„In der ruhigen Studiozeit ließen sie früher lokale Bands rein, um Demos zu machen“, sagte Davies über die Power Station. „Bryan und ich kamen auf einen Kaffee raus und hörten ein Mädchen im Studio nebenan singen. Es war eine haitianische Band, die vorbeigekommen war, um ein paar Demos zu machen, und Bryan und ich sahen uns nur an und dachten: ‚Was?‘ eine fantastische Stimme!' Es stellte sich heraus, dass es sich um Yanick Etienne handelte, der bei „Avalon“ die ganzen hohen Töne sang. Sie sprach kein Wort Englisch. Ihr Freund, der Manager der Band, kam herein und übersetzte. Und am nächsten Tag haben wir es dann gemischt.“

Mit einem neuen Groove und einem neuen Sänger, die dem Track hinzugefügt wurden, waren sowohl Avalon als auch sein Titeltrack komplett. Das im Mai 1982 veröffentlichte, mit Platin ausgezeichnete achte Album von Roxy Music brachte der Band sowohl kommerziellen als auch kritischen Erfolg ein, bevor sie sich 1983 auflöste. Einige von Roxys Mitgliedern kamen im 21. Jahrhundert wieder zusammen und nahmen angeblich neues Material auf, das jedoch noch nicht von der Öffentlichkeit gehört wurde , so dass „Avalon“ ihre letzte offizielle Studioaufnahme war.

„Midnight Rambler“, Brian Jones (mit den Rolling Stones)

Ohne Brian Jones hätte es die Rolling Stones vielleicht nie gegeben. Doch als sich die Band von Blues- und R&B-Covers zu Material des Songwriter-Teams Mick Jagger und Keith Richards bewegte, fühlte sich Jones immer weniger integriert.

Es war ein langer, langsamer Abschied von 1967 bis 1969, gekennzeichnet durch Jones‘ Drogenabhängigkeit, eine Art Dreiecksbeziehung zwischen Jones, Keith Richards und Anita Pallenberg und Jones‘ abnehmendes Desinteresse an den Stones (und umgekehrt). Obwohl Jones in diesen Jahren einige bedeutende musikalische Beiträge zu den Veröffentlichungen der Band leistete – oft mit verschiedenen Instrumenten –, konnte er manchmal auch nicht auftreten und erschien zunehmend nicht einmal zu Aufnahmesitzungen.

Seine Zeit bei den Stones endete mit einem Wimmern. Jones‘ letzte Beiträge zu einer Studioveröffentlichung der Rolling Stones kamen in Form von Autoharp bei „You Got the Silver“ und Congas bei „Midnight Rambler“. Beide Songs erschienen später auf Let it Bleed und machten es damit zur einzigen Studio-LP der Rolling Stones, auf der die Arbeit von Jones und seinem Nachfolger Mick Taylor zu hören war.

„You Got the Silver“ wurde im Februar 1969 aufgenommen und „Midnight Rambler“ entstand in der zweiten Aprilhälfte in den Olympic Sound Studios in London. Während bei Ersterem die Autoharfe hörbar ist, ist Jones' Conga-Beitrag bei Letzterem nicht hörbar. Es wurde sogar gemunkelt, dass Jones in dem mehrteiligen Blues-Track nie eine solche Rolle gespielt habe und dass die Rolling Stones ihn lediglich als nett bezeichnet hätten.

Aber „nett“ war zu diesem Zeitpunkt nicht wirklich der Tenor der Beziehung zwischen Jones und der Band. Schließlich handelte es sich um den Mann, der törichterweise den Jaguar der Band auf der Straße abgestellt hatte, um ihn abzuschleppen, bei Terminen mit den Rolling Stones häufig nicht auftauchte und bereits zweimal wegen Drogendelikten verhaftet worden war – womit er wahrscheinlich jede Chance darauf verspielte Sie besorgten sich ein Visum für eine Reise durch die USA, die sie bald planen wollten.

Im Juni 1969 schlossen die anderen vier Stones Jones aus der Band (obwohl er sein Gesicht wahren konnte, indem er seinen eigenen Abgang ankündigte) und ersetzten ihn durch Taylor. Weniger als einen Monat, nachdem er sich von den Rolling Stones getrennt hatte, wurde Jones im Alter von 27 Jahren tot in seinem Schwimmbad aufgefunden, mit Anzeichen von Drogen- und Alkoholmissbrauch – obwohl der Gerichtsmediziner die Todesursache bekanntermaßen wie folgt feststellte: „ Tod durch Unglück.“

Es gibt weiterhin einige Kontroversen über die Umstände von Jones‘ Tod, ebenso wie niemand ganz sicher ist, dass er einen Conga-Part für „Midnight Rambler“ aufgenommen hat. Doch offiziell bleibt es sein letztes Missgeschick im Aufnahmestudio.

„The Wanderlust“, Lou Reed (mit Metric)

Wie eine Handvoll anderer Legenden auf dieser Liste war Lou Reeds letzte bekannte Studioaufnahme nicht für eines seiner eigenen Projekte, sondern ein Gefallen für einen Freund. Im Jahr 2010 kreuzten sich Reeds Wege und Emily Haines von den kanadischen Indie-Rockern Metric während der Olympischen Winterspiele in Vancouver. Überrascht stellte Haines überrascht fest, dass Reed ein Bewunderer ihrer Musik war, und die beiden wurden Freunde.

Haines trat in den folgenden Jahren bei einigen Veranstaltungen mit Reed auf, was ihre Bindung festigte. Als Metric 2012 ihr Album Synthetica in den Electric Lady Studios in New York City aufnahmen und bei „The Wanderlust“ in Schwierigkeiten gerieten, wusste Haines genau, wer den Track verbessern konnte.

„Als ich es sang oder die Jungs es sangen, dachte ich: ‚Was ist das … Glee?‘“, sagte Haines zu Spinner. „Das funktioniert nicht, aber wir brauchten dieses Gefühl, einfach weiterzumachen. Ich rief Lou an und er sagte ja.“

Reed bat darum, das gesamte Lied mit Haines zu singen, wobei ihre Mikrofone im Studio einander zugewandt sein sollten. So haben sie es aufgenommen, obwohl Metric letztendlich nur Reeds Gesang für den Refrain der auf Synthetica veröffentlichten Version von „The Wanderlust“ verwendete.

„Wir dachten, es müsste ein Moment sein und sich nicht von der Platte abheben“, sagte Haines. „Irgendwann werden wir diese Version vielleicht veröffentlichen.“

Im folgenden Jahr, am 27. Oktober 2013, starb Reed im Alter von 71 Jahren an einer Lebererkrankung und hinterließ ein reiches musikalisches Erbe – und eine letzte Aufnahme auf einem Metric-Album.

„Steh nicht so nah bei mir ’86“, die Polizei

Nach ihrer Blockbuster-Tour zur Promotion von Synchronicity legten The Police 1984 eine Pause ein. Sting begann seine Solokarriere, Stewart Copeland arbeitete beim Film und Andy Summers nahm mit Robert Fripp eine Platte auf. Obwohl das Trio zu diesem Zeitpunkt Stillschweigen bewahrte, war es angesichts der angespannten Beziehung zwischen den Mitgliedern möglich, dass die Polizei am Ende war.

Trotz Stings Soloerfolg (und einem Instinkt, der ihm sagte, es sei an der Zeit, über die Band hinauszugehen, die ihn zu einem bekannten Namen gemacht hatte), stimmte er zu, sich im Juni 1986 für ein paar Shows mit Copeland und Summers zusammenzuschließen, um Amnesty International zu unterstützen. Die Auftritte verliefen wechselhaft, liefen aber so gut, dass sich die Polizei im Juli wieder im Studio wiederfand.

Die Sitzungen dienten dem Trio angeblich dazu, einige ihrer bekanntesten Materialien für ein geplantes Greatest-Hits-Album neu aufzunehmen, obwohl das Management zusätzliche Zeit gebucht hatte, da es davon ausging, dass die Musiker noch einmal zusammenkommen und einige neue Sachen produzieren würden. Vielleicht würden sie sogar mit dem nächsten Police-Album beginnen. Doch jede Hoffnung darauf wurde am Tag vor Beginn der Studiozeit zunichte gemacht, als sich Schlagzeuger Copeland beim Polospielen das Schlüsselbein brach.

„Das Studio war für drei Wochen gebucht“, sagte Summers 2007 dem Rolling Stone. „Wenn Stewart nicht von seinem verdammten Pferd gefallen wäre, hätten wir gejammt und daraus wäre vielleicht etwas Neues entstanden. Stattdessen hatten wir ein Synclavier und.“ ein Fairlight und ein großer Streit darüber, was besser war.

Die Polizei hatte in der Vergangenheit Studiokämpfe und diese Sitzungen setzten diesen Trend nur fort. Da Copeland nicht in der Lage war, zu trommeln, setzte das Trio für eine überarbeitete Version ihres 1980er-Hits „Don't Stand So Close to Me“ auf elektronisches Schlagzeug. Copeland verwendete zum Programmieren des Schlagzeugs lieber sein Fairlight CMI-Sampling-Keyboard, während Sting von der Gruppe die Verwendung des Synclavier verlangte, weil ihm dieses Keyboard besser gefiel.

Die Gruppe gab Stings Wünschen nach, aber als ein Studiotechniker ein paar Tage damit kämpfte, den Schlagzeug-Track auf dem Synclavier fertigzustellen, griff Copeland zurück und stellte ihn trotzdem auf dem Fairlight fertig. Copeland bezeichnete die Meinungsverschiedenheit später als „den Tropfen, der das Fass zum Überlaufen brachte“, soweit es die Einheit der Gruppe betraf. „Am ersten Abend habe ich meinen Gitarrenpart gespielt“, sagte Summers. „In den anderen 20 Tagen stritten sich die beiden über die beiden Maschinen.“

1986 und auch nie würde es ein neues Album von The Police geben. Tatsächlich hatte die Band Glück, überhaupt neue Aufnahmen zu machen. Die einzigen beiden Songs, die bei den Sessions produziert wurden, waren verlangsamte, extra-synthetische Versionen von „Don't Stand So Close to Me“ und „De Do Do Do, De Da Da Da“. Ersteres, ungeschickt umbenannt in „Don't Stand So Close to Me '86“, wurde im Oktober als Single und Video veröffentlicht, um für die Sammlung Every Breath You Take: The Singles zu werben. Letzteres, was der Band offenbar noch weniger gefiel, wurde später auf der SACD-Version einer Hit-Compilation von 1995 veröffentlicht.

Obwohl sich die Polizei 2007 zu einer Tournee wiedervereinigte, weigerten sie sich, erneut ins Studio zu gehen, und hinterließen die oft gescholtenen 1986er-Aufnahmen als ihre letzten.

„We are the Ones“, Lemmy Kilmister (mit Chris Declercq)

Chris Declercq hat praktisch die Rock-Fan-Lotterie gewonnen. 2005 zog er aus seiner Heimat Schweiz nach Los Angeles und machte sich auf den Weg in die berühmte Rainbow Bar and Grill in West Hollywood am Sunset Strip. Solange Motörhead-Frontmann Lemmy Kilmister in Kalifornien lebte, war er Stammgast im Rainbow und Declercq hatte das Glück, einen seiner Helden an der Bar zu treffen, ein Gespräch zu beginnen und ihm seine Demo zu geben.

Kilmister muss gefallen haben, was er hörte, denn weniger als ein Jahrzehnt später kam es zu einer Zusammenarbeit mit dem Schweizer Musiker. Die beiden schrieben gemeinsam einen Song mit dem Titel „We are the Ones“ mit Texten von Declercq und Gesang von Kilmister und begannen dann 2014 mit der Aufnahme des Liedes in den Paramount Studios. Im März 2015, weniger als ein Jahr vor seinem Tod, spielte Kilmister einen Basspart in einer Session ein, aus der seine letzte bekannte Soloaufnahme entstand.

In seinen späteren Jahren hatte Kilmister mit einer Menge gesundheitlicher Probleme zu kämpfen, obwohl seine raue Stimme und sein donnernder Bass auf „We are the Ones“ geradezu lebenswichtig klingen. In den Monaten nach der Aufnahmesitzung versuchte er, das Rauchen einzuschränken, kämpfte mit einer Lungenentzündung und wurde 70. Nur zwei Tage nach seinem Geburtstag wurde bei Kilmister Hirnkrebs im Endstadium diagnostiziert. Zwei weitere Tage später, am 28. Dezember 2015, starb er an anderen Krankheiten, darunter Herzinsuffizienz und Prostatakrebs.

Ungefähr ein Jahr nach Kilmisters Tod versuchte Declercq, „We are the Ones“ mit dem Produzenten Martin Guigui (der bei dem Song auch Keyboards spielte) und dem Schlagzeuger Josh Freese in Dave Grohls Studio 606 fertigzustellen. Der Song wurde zu einer Hommage an einen Hardrock Legende.

„Ich habe mich darauf konzentriert, den Code für die Wahrheit des Liedes zu knacken, nämlich Chris‘ künstlerische Fähigkeit, einen Text und eine Melodie für Lemmys Rock’n’Roll-Persönlichkeit zu erschaffen, und dann Lemmys gefühlvolle Gesangsdarbietung, die das Herzstück des Liedes ist“, sagte Guigui dem Rolling Stone . „Letztendlich bestand meine Aufgabe darin, Chris‘ Vision treu zu bleiben und vielleicht auch das zu vollenden, was Lemmy sich vorgestellt hätte. Es ist wirklich eine Hommage an Lemmy, mit seiner Beteiligung, was wild ist.“

Um den letzten Schliff zu geben, nahm Declercq mit einem Pik-Ass an der Kopfplatte seiner Les-Paul-Gitarre auf und versuchte, dem Mann gerecht zu werden, der ihm zu einem Durchbruch in der Musikindustrie verholfen hatte. „Du hast eine Tür geöffnet, die niemand sonst für mich öffnen wollte“, sagte Declercq 2017 in einer Hommage an Kilmister. „Sie haben mir erlaubt, als Komponist, Musiker und Freund wertvolle Momente mit Ihnen zu teilen. Indem Sie mir geholfen haben, haben Sie gezeigt, dass Sie der großzügigste, bescheidenste und ehrlichste Mann waren. Ich ehre Ihr Geschenk jeden Tag und Sie sind für immer in meinem Herzen.“ ."

„Behalte mich in deinem Herzen“, Warren Zevon

Nachdem er jahrzehntelang Ärzte gemieden hatte, wurde bei Warren Zevon im Sommer 2002 ein Mesotheliom im Endstadium diagnostiziert. Da Zevon nur noch wenige Monate zu leben hatte, lehnte er Behandlungen ab, die ihn beruhigen, aber seine Fähigkeiten beeinträchtigen könnten. Stattdessen ging er zur Arbeit.

„Ich glaube nicht, dass irgendjemand so recht weiß, was zu tun ist, wenn er die Diagnose bekommt. Ich griff zur Gitarre und ertappte mich dabei, wie ich diese Art von Abschied schrieb“, sagte Zevon über „Keep Me in Your Heart“ in einer VH1-Dokumentation. „Mir wurde sofort klar, dass ich herausgefunden hatte, was ich mit mir selbst anfangen sollte. Wenn ich darüber nachdenke, könnte es ein bisschen wie ein ‚Woe is me‘-Song sein, aber es hat mir klar gemacht, was ich mit dem Rest der Zeit anfangen würde.“ "

Da eine Reihe von Songs bereits geschrieben (oder zumindest begonnen) waren, begann Zevon im Herbst 2002 schnell mit den Aufnahmen zu seinem letzten Studioalbum, The Wind. Sein kreativer Partner war erneut Jorge Calderón, einer von Zevons dienstältesten Mitarbeitern, aber auch bei der Aufnahme bekam er jede Menge Star-Unterstützung. „The Wind“ enthielt unter anderem Beiträge der Musikfreunde Bruce Springsteen, Jackson Browne, Tom Petty und Eagles Don Henley, Joe Walsh und Timothy B. Schmit.

Während die Ärzte Zevon warnten, dass er noch vor Jahresende sterben könnte, übertraf er die Prognose und arbeitete an dem Album, wann immer sein Körper es erlaubte. Als es Zevon im April 2003 nicht mehr gut genug ging, um für Aufnahmen ins Studio zu gehen, brachten seine Mitarbeiter das Studio zu ihm. Die Session-Größen Jim Keltner und Calderón nahmen ihre sanften Teile von „Keep Me in Your Heart“ im Studio auf und Jorge half dabei, eine spontane Aufnahmestation in Zevons Wohnzimmer einzurichten, damit er seinen letzten Gesang aufnehmen konnte. Während seine schwangere Tochter Ariel zusah, sang Zevon die Worte, die er geschrieben hatte, nachdem ihm klar wurde, dass seine Zeit auf Erden nicht mehr lange dauern würde: „Wenn ich dich verlasse, heißt das nicht, dass ich dich weniger liebe / Behalte mich in deinem Herzen für.“ eine Weile."

Zevon erlebte die Fertigstellung von „The Wind“ und die Veröffentlichung am 26. August 2003 mit „Keep Me in Your Heart“ als letztem Titel des Albums. Er starb zwei Wochen später, am 7. September, mehr als ein Jahr, nachdem ihm mitgeteilt worden war, dass ihm nur noch wenige Monate blieben. Er war 56.

„Do You Want to Rock?“, Phil Lynott (mit Colbert Hamilton)

Nachdem sich Thin Lizzy 1984 auflöste, geriet Phil Lynott in Schwierigkeiten. Die letzten Jahre seines Lebens waren hart, da Lynott sich Drogen und Alkohol zuwandte, um seine persönlichen und beruflichen Katastrophen zu lindern.

Dennoch arbeitete Lynott weiter. In seinen letzten Lebenswochen produzierte Lynott eine Session für Colbert Hamilton, einen britischen Sänger, der sich auf frühen Rock'n'Roll spezialisierte und sich selbst „Black Elvis“ nannte. Hamilton nahm ein Rave-Up mit dem Titel „Do You Want to Rock?“ auf. im Dezember 1985 in Lynotts Heimstudio in Richmond, England, wobei Lynott auf dem Track Bass spielte und Hintergrundgesang sang.

„Er war spielerisch am Ball, aber er ging sein eigenes Tempo“, sagte Hamilton 2009 gegenüber der BBC. „Mir war durch meinen damaligen Manager bewusst, dass er Drogen nahm, und im Nachhinein war er der Meinung, dass er war in einem schlechten gesundheitlichen Zustand. Die Aufnahme, die Lynotts letzte Aufnahme in ein Studio sein sollte, geriet nach dem Tod des ehemaligen Frontmanns von Thin Lizzy am 4. Januar 1986 nach einem Zusammenbruch an Weihnachten und einem langen Krankenhausaufenthalt so gut wie in Vergessenheit. Nach Jahren des Drogenmissbrauchs starb Lynott an einer Lungenentzündung und Herzversagen. Er war 36.

„Willst du rocken?“ Das nächste Vierteljahrhundert lang verstaubte Hamilton unter Hamiltons Bett, da die Strecke nie den letzten Schliff erhalten hatte. Es wurde 2009 entdeckt, als sein Musikerkollege Paul Murphy an einem Dokumentarfilm arbeitete, der Lynotts Leben in England und Irland nachzeichnete. Hamilton erlaubte die Veröffentlichung als Teil von Murphys Projekt. „Der Ton ist etwas rau, da er noch in Arbeit war“, sagte Murphy damals, „aber Lynotts unverwechselbarer Sound ist überall zu hören.“

„Du wusstest nie, was ich denke“, Chris Cornell

Die letzte bekannte Aufnahme des Soundgarden-Sängers war eine Zusammenarbeit aus dem Jenseits – und das in mehr als einer Hinsicht. Kurz bevor Chris Cornell am 18. Mai 2017 in einem Hotelzimmer in Detroit Selbstmord beging, nahm der Sänger „You Never Knew My Mind“ auf, basierend auf zwei Gedichten, die der verstorbene Johnny Cash 50 Jahre zuvor geschrieben hatte.

John Carter Cash, Johnnys Sohn, beauftragte Cornell, an einem Projekt mitzuwirken, das zu „Johnny Cash: Forever Words“ wurde, einem Album mit verschiedenen Künstlern, die Gedichte, Texte und Briefe, die der ältere Cash vor seinem Tod im Jahr 2003 verfasst hatte, neu vertonen. Cash hat denkwürdigerweise Soundgardens „Rusty Cage“ für sein Unchained-Album von 1996 gecovert, und ein paar Jahrzehnte später erwiderte Cornell den Gefallen.

„Ich habe [Cash] ein- oder zweimal in meinem Leben getroffen, und er war so liebenswürdig und hatte einen großen Einfluss auf mich als Musiker“, sagte Cornell zu der Zeit, als er „You Never Knew My Mind“ aufnahm. „Und er hat auch einen Song gecovert, den ich geschrieben habe. Seitdem habe ich das Gefühl, dass er vielleicht einer der größeren Vertreter in meinem Leben ist, wenn man die Künstler betrachtet, von denen ich ein Fan bin.“

Cornell nahm seinen Beitrag im Cash Cabin Studio in Hendersonville, Tennessee, auf und sprach – nicht lange vor seinem eigenen Tod – über den „Twilight Zone“-Charakter dieser Zusammenarbeit, die in der Hütte stattfand, die Johnny gebaut hatte. Als John Carter Cash die Veröffentlichung von Forever Words im Jahr 2018, fast ein Jahr nach Cornells Tod, vorbereitete, enthüllte er, dass Cornell zwei Gedichte seines Vaters für das Lied kombiniert hatte.

„Es gab eigentlich zwei Stücke – ‚You Never Knew My Mind‘ und ‚I Never Knew Your Mind‘ – es handelte sich im Grunde um denselben Text, der aus zwei verschiedenen Blickwinkeln geschrieben wurde“, sagte Carter Cash zu DJ Zane Lowe. Johnny schrieb „You Never Knew My Mind“ im Jahr 1967. Ich gehe davon aus und bin ziemlich sicher, dass es für seine erste Frau, Vivian, geschrieben wurde. In diesem Jahr war ihre Scheidung legal. Es war auch das Jahr, in dem seine Liebe für Meine Mutter blühte auf. … Und Chris nahm die beiden Teile und fügte sie in diesem zusammen … Ich kann es mir nicht anhören, ohne dass es mich niederlegt. Ich meine es immer noch ernst, und das tat es, bevor Chris starb.

„You Never Knew My Mind“ ist nicht nur eine Obduktion von Cashs erster Ehe, sondern erinnert auch an Cornells Selbstmord im Alter von 52 Jahren, der selbst diejenigen, die dem Sänger am nächsten standen, überraschte. In der letzten Strophe des Liedes singt Cornell: „Manchmal bin ich ein Fremder für dich / Manchmal bist du ein Fremder für mich / Manchmal, vielleicht die ganze Zeit / Du wusstest nie wirklich, was ich denke / Ich wusste nie wirklich, was du denkst.“

„Todesbrief“, Johnny Winter

Fans können Johnny Winters letzte Studioaufnahme nicht nur hören, sie können sie auch miterleben. Seine akustische, ausdrucksstarke Interpretation von Son Houses berühmtem „Death Letter“ wurde gefilmt und später als Video veröffentlicht.

Es ist unwahrscheinlich, dass irgendjemand wusste, dass die Aufnahme Winters letzte sein würde, insbesondere weil sie am 4. Februar 2013 aufgenommen wurde, mehr als ein Jahr vor seinem Tod im Alter von 70 Jahren am 16. Juli 2014, während einer Europatournee. Und es ist einfach so, dass Winters letzter Auftritt im Studio ein Lied sein würde, in dem es um den Tod geht – obwohl es im Text nicht um den Tod des Sängers, sondern um den Tod seiner Geliebten geht.

„Wenn man ihm bei dieser Aufführung des Son-House-Klassikers ‚Death Letter‘ zusieht, kann man hören, wie natürlich und angenehm es für ihn war“, sagte Warren Haynes dem Rolling Stone. „Er hat sein ganzes Leben lang Son House gehört und darüber berichtet, was hier rüberkommt, aber irgendwie genauso wie Johnny Winter klingt.“

„Death Letter“ wurde posthum im September 2014 auf Winters letztem Studioalbum „Step Back“ veröffentlicht. Es ist einer von nur zwei Titeln, die keine besonderen Gäste enthalten: Eric Clapton, Leslie West, Billy Gibbons und Joe Perry treten an anderer Stelle auf. Aber für seine letzte Aufnahme durfte Winter alleine ausgehen. Im Video der Solo-Session lauten seine letzten Worte: „Ich bin bereit, nach Hause zu gehen.“

„One Too Many Mornings“, die Band

Wenn man bedenkt, dass die Geschichte der Band untrennbar mit Bob Dylans Karriere verbunden ist, ist es passend, dass die Gruppe auf ihrer letzten Aufnahme einen Dylan-Song gecovert hat. „One Too Many Mornings“ wurde 1999 aufgenommen, im selben Jahr, in dem Rick Danko im Alter von 56 Jahren starb. Die Band löste sich kurz darauf endgültig auf.

Natürlich dachten einige, dass die Band nach ihrem Thanksgiving-Konzert 1976 in San Francisco, der Show, die für Martin Scorseses „The Last Waltz“ gedreht wurde, am Ende sei. Aber dieser Auftritt, so wunderbar er auch war, markierte lediglich Robbie Robertsons letzten Tanz mit der Band; Die anderen vier Mitglieder (Danko, Levon Helm, Richard Manuel und Garth Hudson) kamen 1983 wieder zusammen.

Die Wiedervereinigung ging trotz Manuels Selbstmord im Jahr 1986 (er war 42) weiter, wobei drei Fünftel der ursprünglichen Gruppe mit den neuen Mitgliedern Jim Weider, Randy Ciarlante und Richard Bell weiterhin Aufnahmen machten und auf Tour gingen. Die Band veröffentlichte in den 90er Jahren drei Studioalben, von denen zwei einen Dylan-Song enthielten.

Als das House of Blues also eine weitere seiner Tribute-CDs für klassische Künstler organisierte (zwei Compilations mit Coverversionen von Songs der Rolling Stones und Janis Joplin waren bereits fertig), war es nur natürlich, dass das Unternehmen die Band für einen Dylan gewinnen würde -fokussiertes Album. „One Too Many Mornings“ war eine interessante Wahl für ein Cover, nicht nur, weil die Band (damals, als sie noch die Hawks hießen) zu jedem Zeitpunkt seiner Tournee 1966 Bobs elektrisierende Überarbeitung seines Songs unterstützte, sondern auch, weil es eine Aufnahme von ihnen gab Die hymnische Version wurde 1998 als Teil von Dylans „Bootleg Series“ veröffentlicht.

Dennoch liegen eine Million Meilen zwischen der Live-Version von 1966 (in der Helm nicht zu sehen ist, da er Mickey Jones seinen Schlagzeughocker überlassen hatte) und der Aufnahme von 1999, in der Danko und sein säuerlicher Leadgesang sowie Helm am Schlagzeug im Rampenlicht stehen und Mundharmonika und Hudsons Karneval einer Hammond-Orgel. Darüber hinaus spielte Derek Trucks auf dem Track Slide-Gitarre.

Als „Tangled Up in Blues“ (so der Titel des Tribute-Albums) im Juli 1999 erschien, schloss die Zusammenstellung mit der gelebten, starken Version der Band von „One Too Many Mornings“ ab. Zum Jahresende war Danko weg und die Band gab es dieses Mal mit Sicherheit nicht mehr.

„Ride On“, Bon Scott (mit Trust)

Bon Scott nahm an einer frühen Session für „Back in Black“ teil, dem AC/DC-Album, das schließlich seinem Andenken gewidmet wurde. Aber er schloss sich lediglich seinen Bandkollegen Angus und Malcolm Young an, als sie „Have a Drink on Me“ und „Let Me Put My Love Into You“ erarbeiteten, und begleitete die Brüder am Schlagzeug, anstatt zu singen.

Etwa zur gleichen Zeit, Mitte Februar 1980, sang Scott auf seiner letzten Studioaufnahme mit einer anderen Band, der französischen Gruppe Trust. Er war mit seinem australischen Rockkollegen Mick Cocks ins Londoner Scorpio Sound Studio gegangen, um mit der französischen Metal-Band zu feiern.

„Wir haben uns ein Jahr zuvor in den Pathé-Studios in Boulogne durch einen Freund von Keith Richards kennengelernt“, sagte Trust-Sänger Bernie Bonvoisin 2015 zu Paris Match. „Eine freundschaftliche und musikalische Liebe auf den ersten Blick: Er schlug mir vor, für AC/ DC in einer Reihe denkwürdiger Konzerte in Frankreich.

Trust nahmen zu dieser Zeit ihr zweites Studioalbum Repression auf, freuten sich aber, Scott als Gastgeber begrüßen zu dürfen, der auf dem Erfolg von Highway to Hell aus dem Jahr 1979 großen Erfolg hatte. Bonvoisin erinnerte sich, dass Scott eine Flasche Whisky getrunken hatte, während er bei den englischsprachigen Linernotes für die bevorstehende Veröffentlichung des Trusts „half“. Bald begannen die Jungs spontan mit „Ride On“, einem AC/DC-Song, den Trust in ihr Debütalbum aufgenommen hatte. Scott sang mit und sang das langsame, bluesige Lied mit der Zeile „I ain't too old to die“.

Innerhalb von sechs Tagen, zwischen der Nacht des 18. Februar und dem Morgen des 19. Februar, wurde Scott ohnmächtig und starb im Alter von 33 Jahren. Dies wurde, wie auch der Tod von Brian Jones, als „Tod durch ein Unglück“ gewertet. Scotts Bandkollegen bei AC/DC und seine Freunde bei Trust waren von der Nachricht schockiert. Die Studio-Jam-Version von „Ride On“ tauchte aufgrund ihres Status als Bons letzte Aufnahme später auf Raubkopien auf.

„Salon und Saloon“, Jim Croce

Jim Croces letzte Aufnahme entstand als Geschenk an seinen Freund, kreativen Partner und Leadgitarristen Maury Muehleisen. Es handelte sich also um ein Lied, das Muehleisen und nicht Croce geschrieben hatte.

Bevor Croce Anfang der 70er Jahre berühmt wurde, waren seine und Muehleisens Rollen vertauscht. Maury war derjenige mit dem Plattenvertrag und Jim assistierte ihm an der Rhythmusgitarre. Doch als die beiden begannen, an Croces Songs zu arbeiten, wobei Muehleisen ihm bei den Gitarrenarrangements half, wurde Maury im Wesentlichen Croces Leadgitarrist. Croce war dankbar für die Großzügigkeit seines Freundes und zeigte seine Dankbarkeit, indem er eines von Muehleisens Liedern, „Salon and Saloon“, für seine dritte LP aufnahm.

Muehleisen wurde zum Schreiben von „Salon and Saloon“ inspiriert, als er und Croce 1970 zum ersten Mal zusammen zu spielen begannen. Das Lied basiert in Wahrheit auf einem Nachmittag zweier alter Highschool-Freunde, die sich darüber austauschen, wohin ihr Leben sie seit ihrem Abschluss geführt hat . Muehleisen besuchte die St. Mary's Cathedral High School in Trenton, New Jersey, und war mit Mary Mitchell befreundet. Die beiden erlangten den Ruf, ihren Leidenschaften mit Hingabe nachzugehen; Seines war Musik, ihres war Ballett. Sie trafen sich zufällig am Bahnhof von Trenton und hingen den Rest des Tages zusammen.

„Wir sprachen darüber, wie sich unsere Klassenkameraden verändert hatten, und spekulierten darüber, wie sie gedacht haben mussten, dass wir uns verändert hatten“, erinnerte sich Mitchell später. „Ich ging in New York zur Schule und arbeitete als Model, um Geld zu verdienen. Maury sah genau so aus wie der kreative, langhaarige Künstler, der er war. Es kam mir nie in den Sinn, dass wir an diesem Tag zusammen ziemlich seltsam ausgesehen haben müssen.“ ."

Muehleisen kanalisierte sein gutes Gefühl in einem Lied und nannte es „Salon and Saloon“, weil Model Mary aussah, als wäre sie aus Ersterem herausgekommen, während er aussah, als wäre er aus Letzterem herausgekommen. Maury hatte vielleicht geplant, das Lied selbst aufzunehmen – er hoffte, nach Croces Herbsttournee 1973 wieder eigene Platten machen zu können –, war aber erfreut, als Croce beschloss, das Lied zu covern.

„Jim liebte das Lied wirklich und wollte es als Geschenk für Maury aufnehmen“, sagte Maurys Schwester Mary 2013 gegenüber Guitar World. „Jim sang und Tommy West spielte Klavier. Auf der Aufnahme sind keine Gitarren zu sehen. Es war das letzte Lied.“ Jim hat jemals aufgenommen.“

Croces Version von „Salon and Saloon“ vervollständigte ein Album, das als I Got a Name veröffentlicht wurde. Die Sitzungen, die in der New Yorker Hit Factory stattfanden, endeten am 14. September 1973. In weniger als einer Woche, am 20. September, würden sowohl Croce als auch Muehleisen verschwunden sein.

Während einer Tournee in Louisiana starben die beiden Musiker – zusammen mit dem Komiker George Stevens, dem Manager und Booking-Agenten Kenneth D. Cortese, dem Roadmanager Dennis Rast und dem Piloten Robert N. Elliott –, als Elliott beim Start vom Natchitoches Regional Airport einen Pekannussbaum abschnitt stürzte das zweimotorige Flugzeug ab. Croce war 30. Muehleisen war 24. Ihre Freunde und Familie waren fassungslos.

I Got a Name mit „Salon and Saloon“ als zweitem Song auf Seite zwei wurde einige Monate später, am 1. Dezember, veröffentlicht. Die LP von 1973 erwies sich als weiterer großer Hit und ließ die Fans sich fragen, was Croce und Muehleisen haben könnten was sie erreichen könnten, wenn sie nicht in dieses Flugzeug gestiegen wären.

„Electra“, Dio

Obwohl die Black-Sabbath-Ablegerband Heaven & Hell Ronnie James Dios musikalische Karriere in seinen letzten Jahren sowohl in Bezug auf Tourneen als auch in Bezug auf Aufnahmen dominierte, plante er das nächste Projekt seiner gleichnamigen Band, bevor er im Herbst 2009 schwer erkrankte.

Im Jahr 2000 veröffentlichte die Dio-Band Magica, ein Konzeptalbum über einen Kampf zwischen den Mächten des Guten und des Bösen, der in einer Unterwelt namens Blessing spielt. Von Anfang an war geplant, dass Magica der erste Teil einer Albumtrilogie sein würde, die die Gruppe schließlich aufnehmen würde. Ronnies Heaven & Hell-Verpflichtungen von 2007 bis 2009 verzögerten das Schreiben von Songs für die nächsten beiden Folgen, obwohl er in einem Interview im Oktober 2009 verriet, dass er mit „sieben oder acht“ Tracks begonnen hatte.

Zu dieser Zeit begann Ronnie sogar, über die Demo-Phase hinauszugehen und den Gitarristen Doug Aldrich um Hilfe bei einem Track zu bitten, der jedoch nie veröffentlicht wurde. „Wir haben einige seiner Ideen ausprobiert und an einigen davon gearbeitet“, sagte Aldrich 2017 gegenüber Roppongi Rocks.

„Bevor wir ‚Electra‘ gemacht haben, hatte er dieses andere, bei dem er sagte: ‚Kannst du ein Solo dazu spielen?‘ und er hat mir den Track gegeben“, fügte Aldrich hinzu. „Ich hatte ein Solo darauf eingespielt und als ich es dann zu ihm nach Hause brachte, sagte er: ‚Nein, nein, nein. Ich habe diese neue Idee namens ‚Electra‘.“ Wir haben es uns nicht einmal angehört. Ich glaube nicht einmal, dass er das Solo jemals gehört hat, weil wir uns so darauf konzentriert haben, einen Song fertigzustellen, um die Tour zu promoten, die wir machen wollten.

Nach Jahren geringer Aktivität für Dio bestand Ronnies Plan darin, die Band mit einer Tournee wiederzubeleben, eine Single aus den kommenden Magica II und III als Teaser zu veröffentlichen und diese Alben dann im Jahr 2010 aufzunehmen. „Electra“ wurde zu dieser Teaser-Single mit Ronnie am Gesang, Aldrich an der Gitarre, Rudy Sarzo am Bass, Simon Wright am Schlagzeug und Scott Warren an den Keyboards. Der fantastische Titel enthält den Text „And it's the last thing you'll do“, der sich als tragisch prophetisch herausstellte.

Nicht lange nach Abschluss der Aufnahmen zu „Electra“ wurde bei Dio im November 2009 Magenkrebs diagnostiziert. Alle Tourneen und Aufnahmen wurden abgebrochen, während Dio sich um eine Behandlung der Krankheit bemühte. Im Februar 2010 erhielt „Electra“ eine Sonderveröffentlichung als Teil der Tournado-Box, die den Fans auf Dios Tour zur Verfügung stand, bevor sie abgesagt wurde.

Bedauerlicherweise bildete Ronnies Magenkrebs Metastasen und er starb am 16. Mai 2010 an der Krankheit. Der Mann, der „Metal Horns“ berühmt machte, starb im Alter von 67 Jahren. „Electra“ ist der letzte Song, den Dio aufgenommen – und veröffentlicht hat Zumindest bisher – und es ist der einzige Song aus den Magica-Fortsetzungen, der offiziell veröffentlicht wurde. Nach Ronnies Tod erschien es auf einer Compilation sowie als Bonustrack auf der Deluxe-Neuveröffentlichung des ursprünglichen Magica-Albums.

„Lauter als Worte“, Pink Floyd

Pink Floyds letztes aufgenommenes Lied war das Ergebnis eines kreativen Prozesses, der sich über mehr als 20 Jahre erstreckte. Das liegt daran, dass die Melodie, wie ein Großteil des Instrumentalmaterials auf Floyds letztem Album The Endless River, ihre Wurzeln in den Sessions für The Division Bell aus dem Jahr 1993 hat. Obwohl Rick Wright in den folgenden Jahren verstorben war, konnten seine Bandkollegen David Gilmour und Nick Mason die Ideen, Melodien und Klänge dieser Tage optimieren, zusammenführen und verbessern – unterstützt von den Co-Produzenten Phil Manzanera, Andy Jackson und Martin „Youth“. Glover.

Im Gegensatz zum Rest des überwiegenden Teils von The Endless River aus dem Jahr 2014 ist „Louder Than Words“ weniger Bestandteil eines Pseudo-Ambient-Stücks, sondern eher ein richtiger Song mit den einzigen Texten auf dem Album – gesungen von Gilmour und geschrieben von ihm Frau Polly Samson. Nachdem Samson bereits an Textideen für The Division Bell gearbeitet hatte, machte sie ihren Mann während dieses Projekts auf eine Idee aufmerksam. Inspiriert wurde es durch das Anschauen der berühmten Reunion von Pink Floyd bei Live 8 im Jahr 2005.

„Bei Live 8 hatten sie geprobt, es gab Soundchecks und viel Freizeit, als sie mit David, Rick, Nick und bei dieser Gelegenheit Roger [Waters] in Zimmern saßen“, erinnerte sie sich gegenüber Entertainment Weekly. „Und was mir auffiel, war, dass sie nie miteinander sprachen. Sie machen kein Smalltalk, sie machen kein Big Talk. Das ist nicht feindselig, sie reden einfach nicht. Und dann betreten sie die Bühne und musikalisch ist diese Kommunikation.“ außergewöhnlich."

Sie schrieb ein Stück, das sich auf die musikalische Verbindung der Bandmitglieder konzentrierte, obwohl Pink Floyd abseits der Bühne mehr als gelegentlich Probleme mit der Gruppenharmonie hatte. Als Samson Gilmour die Worte überbrachte, dachte er, dass sie einen großartigen Schlussstein für die Karriere der Band bildeten und zu der Musik passten, an der er bereits gearbeitet hatte. Der fertige Track hatte einen Stand im Jahr 1993 mit Wrights Keyboardspiel und einen weiteren im Jahr 2014 mit Gilmours neu aufgenommenem Gesang in seinem Heimstudio. Glover sagte, dass der Sänger und Gitarrist von Pink Floyd bis zum Ende der neuen Sessions gewartet habe, um seinen Gesang abzulegen.

„Sowohl Phil als auch ich haben David gedrängt, den Text und den Gesang zu übernehmen“, sagte Glover zu Uncut. „Jeder um ihn herum sagte, dass er es hasst, Gesang zu spielen, und dass er damit immer bis zur letzten Minute aufhört So hat er „Comfortably Numb“ gemacht. Ich habe noch nie einen Sänger gehört, der die Leadstimme so präzise, ​​mit der richtigen Emotion und allem, was dazugehört, spielt.

Nachdem Samson den Text hatte, entstand das gesamte Lied als Meditation darüber, wie das, was die Jungs von Pink Floyd zusammenhielt, stärker war als das, was ihnen im Weg stand. Obwohl Gilmour, Mason und Waters (die die Gruppe in den 80er Jahren verließen) immer noch am Leben und in der Musikindustrie aktiv sind, haben sie wenig Hoffnung gemacht, dass es in Zukunft noch mehr Pink-Floyd-Musik geben wird.

„Alles Wertvolle gibt es auf The Endless River“, sagte Gilmour dem Rolling Stone. „Es noch einmal zu versuchen würde bedeuten, das zweitbeste Zeug zu verwenden. Das ist mir nicht gut genug.“